Волшебная акварель: кто из художников приручил капризную технику
Альбрехт Дюрер
Акварель известна с давних времен – в этой технике выполнены некоторые рисунки на древнеегипетских папирусах, ее использовали римляне и китайцы, достигая невероятного богатства оттенков и полутонов. Затем об акварели на время забыли, вероятно, из-за плохой сохранности – краски очень чутко реагируют на свет и быстро выцветают. Поэтому даже в современном мире акварельные работы требуют к себе особенно бережного отношения: в музеях их экспонируют с особым температурным режимом и за специальными шторками или убирают под стекло. Второй причиной небольшой популярности техники стал материал-основание: для акварели хорошо подходит бумага, которая в Средних веках и эпоху Возрождения не имела широкого распространения.
Одним из первых известных мастеров, обративших внимание на акварель, стал Альбрехт Дюрер. Прекрасный график, в своих набросках он был куда более свободен в выборе техник, сюжетов, способов самовыражения, чем в официальных работах. Его «Заяц» вызвал огромный интерес у современников и последующих поколений: помимо акварели в работе применялись белила и гуашь, которой прорисованы верхние волоски животного. Несмотря на то, что акварель – живописная техника, ее чаще относят к графике или ставят на промежуточное место из-за уже перечисленных качеств: важной роли бумаги, относительно невысокой сохранности произведений, малого размера работ и использования ее художниками «для себя», в качестве этюдов и набросков.
Одним зайцем дело не ограничилось: художник часто рисовал акварелью пейзажи, травы и другие элементы окружающего мира. Еще одна его знаменитая акварель – «Большой кусок луга» – детально изображает такие растения, как подорожник, веронику, тысячелистник, одуванчик и другие. Здесь также использованы белила и гуашь. Вряд ли Дюрер задумывал работу в качестве самостоятельного произведения, вероятнее, что он применял рисунок в качестве штудии для последующего использования: похожие фрагменты трав позже появлялись в его гравюрах.
Ганс Гольбейн (младший)
Немецкий художник, представитель Северного Возрождения Ганс Гольбейн также использовал акварель в утилитарных целях – для создания подготовительных рисунков, будь то фрагмент будущей настенной росписи или портрета, коих он написал великое множество. Гольбейн родился в Аугсбурге, но часто и надолго приезжал в Англию, где стал придворным художником Генриха VIII. Среди портретов мастера встречаются не только члены королевской семьи, но и другие видные деятели своего времени – послы, епископы, знатные горожане. В его картинах внимание к деталям совмещается со стремлением к достоверности, которая достигает иногда уровня пугающей натуралистичности: об этом, в частности, упоминал Федор Достоевский, увидев работу «Мертвый Христос в гробу».
Одну коллекцию портретов стоит выделить отдельно. Это набор из нескольких акварельных миниатюр, которые были самостоятельной серией, а не подготовительными рисунками. На одной из работ показана Джейн Смолл – девушка, близкая ко двору. Она изображена на насыщенном синем фоне, в простом платье, с гвоздикой, что может символизировать ее недавнюю помолвку. Подобные миниатюры, размер которых всего лишь около 5 см в диаметре, могли использовать в качестве украшений. Другая работа из серии – портрет Маргарет Ропер, писательницы и переводчицы, дочери философа Томаса Мора. Ропер считалась одной из наиболее образованных дам своего времени, в числе первых женщин не королевской семьи в Англии она издала свою книгу.
Пол Сэндби
По-настоящему популяризовали акварель английские художники, в особенности Пол Сэндби. Сперва он занимался военными чертежами и картами, а впоследствии утвердил родной пейзаж в качестве самостоятельного и самоценного произведения. В его работах виды Англии поражают топографической точностью – сказывается влияние первой профессии. В какой-то степени выбор акварели был обусловлен частыми путешествиями: Сэндби объездил всю страну, зарисовывая в пути наиболее живописные ее уголки. Для столь частых перемещений прекрасно подходила акварель, поскольку занимала мало места и быстро высыхала. Наиболее удачные пейзажи можно было затем гравировать и выпускать в качестве сборников.
Работы Сэндби очаровывают безмятежной атмосферой – люди прогуливаются в парках, рассматривают живописные развалины старинных сооружений, занимаются своими делами на фоне бесконечных лугов, замков и рек. Несмотря на то, что интенсивность и яркость акварели можно варьировать и добиваться чистого и насыщенного цвета, Сэндби старался использовать одно из главных преимуществ техники – тончайшую нюансировку полутонов, богатство колористических переходов.
Его работы «мягкие» по цветовой гамме, они не кричат, а переливаются нежными оттенками. Коллеги-художники отмечали, что Сэндби рисует «настоящие виды природы в этой стране» и называли его «отцом искусства английской акварели».
Уильям Блейк
Совсем другие возможности акварели раскрыл самобытный и неоднозначный художник Уильям Блейк. При жизни он не был по достоинству оценен современниками из-за слишком неожиданных, мистических сюжетов, наполненных символизмом и философией. Под конец жизни мастер принялся за иллюстрацию двух произведений: библейской «Книги Иова» и «Божественной комедии» Данте. Для первой книги он создал две серии акварелей и набор гравюр, которые сегодня вызывают восхищение у искусствоведов. «Книга Иова» – часть Ветхого Завета, в которой праведник Иов подвергся испытаниям. Сперва он лишился имущества и детей, а затем заболел проказой, но в итоге получил помощь Бога. Художники и философы много раз прибегали к трактовкам этого текста: биографы Блейка считают, что мастер воспринимал историю праведника созвучно своей судьбе, поэтому внес в изображения личные переживания.
В акварелях Блейк предпочел оставлять тела героев белыми или светлыми, ставя цветовые акценты на элементах одежды, пейзажах или зверях. «Божественную комедию» Блейк не успел закончить, хотя работал над иллюстрациями даже в день смерти. Несмотря на большое количество оставшихся карандашных работ и акварелей, исследователи отмечают, что окончательный замысел художника трудно понять. Как и в случае с «Книгой Иова», Блейк выбрал авторскую, непохожую ни на кого другого трактовку сюжета, которая не прямо иллюстрирует текст, а создает параллельно с ним собственный мир.
Петр Соколов
Исследователи считают, что в Россию акварель пришла из Англии – первое время она не была самостоятельной техникой, ей пользовались в основном при «иллюминировании» гравюр и архитектурных проектов. Затем мастера стали обращать внимание на пейзажный жанр по примеру англичан, но тут активно выделился Петр Соколов – художник, ставший родоначальником акварельного портрета в России. Он прекрасно писал маслом, успешно окончил Академию художеств, а затем попробовал свои силы в акварели и всецело увлекся ей. Его портреты оказались так хороши, что пошел шквал заказов: на вырученные от них деньги художник смог приобрести дом в Санкт-Петербурге. Писал он как членов императорской семьи, так и светских дам, князей и других видных деятелей своего времени.
Работа у мастера шла легко, большинство портретов было написано за один сеанс. Молниеносная скорость письма не вступала в противоречие с качеством: достоверность в передаче лица соседствовала у Соколова с изящностью общего образа модели. В его работах акварель показала свои лучшие стороны – она невесомая, прозрачная, легкая, но при этом все цвета остаются «звонкими», а не блеклыми.
Детальное внимание Соколов уделял лицу модели, одежда героев написана менее тщательно, а нижняя часть рисунка и фон и вовсе остаются бесцветными. Таков, например, портрет Идалии-Марии Полетики – светская красавица изображена с тщательно выписанной прической, в роскошном туалете. Художник мастерски управляет колористическими свойствами акварели: он уловил на щеках девушки легкий румянец, оттенил прозрачно-голубые глаза, выделил массивные жемчужные серьги на белом фоне. По воспоминаниям современников, у Идалии был блестящий ум, но злой язык. Особенную неприязнь она испытывала к Александру Пушкину, а также принимала косвенное участие в его судьбе: именно в ее доме проходило свидание супруги поэта и Дантеса.
