14 новых выставок современного искусства

С 7 ноября 2026 года в пространстве арт-платформы «КУБ» открываются 14 новых экспозиций современного искусства. Новые проекты можно будет увидеть до 6 декабря 2026 года.

Коллективная выставка «Итоги сезона №63», Союз театральных деятелей России 

В большом зале арт-пространства Союз театральных деятелей России открывает ежегодную выставку московских театральных художников «Итоги сезона №63». Прошедший театральный сезон в работах московских художников театра — так можно коротко обозначить тему проекта. Экспозиция представляет зрителям театральный календарь России — московские художники создают спектакли не только в Москве, но и в других городах страны: Абакане, Астрахани, Барнауле, Екатеринбурге, Казани, Калининграде, Красноярске, Краснодаре, Магнитогорске, Назрани, Новгороде, Омске, Перми, Петрозаводске, Петропавловске-Камчатском, Санкт-Петербурге, Северодвинске, Тюмени, Челябинске, Чебоксарах, а также за рубежом — в Казахстане, Узбекистане, Китае.

Где еще, как не на экспозиции «Итоги сезона №63», в один день можно посетить нашумевший хит сезона — спектакль «Кабала святош» с Н. Цискаридзе (МХТ им. Чехова), представленный в эскизах Николая Симонова? А также оперу «Орлеанская дева» в МАМТ им. К. С. Станиславского и Вл. И. Немировича-Данченко, сценографию к которой сочинил Владимир Арефьев. Или «Царскую невесту» Н. Римского-Корсакова в Новой опере: эскизы костюмов к ней создала Мария Данилова. «Женитьба Фигаро» в постановке Губернского театра в перечне спектаклей, на которые невозможно попасть. Зато эскизы декораций Андрея Климова подготовят вас к зрелищу.

Макет главного художника театра «Ленком Марка Захарова» Алексея Кондратьева к «Гамлету» выдержан в стилистике минимализма и сурового, с холодным блеском, хай-тека. А макет Юлианы Лайковой к постановке Большого театра «Анна Каренина» сочетает лирико-драматическую тональность произведения с масштабностью художественно-постановочной культуры. Традиционно аскетичны павильоны Ларисы Ломакиной к спектаклям Константина Богомолова. Столь же любопытны работы московских авторов к спектаклям российских театров, представляющие знаковые имена и тенденции как драматургии, так и режиссуры прошедшего театрального сезона.

За более чем шестьдесят лет любая творческая инициатива, да еще имеющая строгий регламент — только осуществленные работы прошедшего театрального сезона, — рискует превратиться в рутину. Выставка «Итоги сезона» счастливо миновала эту тенденцию и продолжает свой ежегодный вояж по выставочным залам, музеям и галереям столицы.

Персональная выставка Инны Суминой «Координаты воспоминаний», галерея Монарт

Куратор Инна Мурашева

Цветущие сады как образ связи семейных поколений и поиск собственной идентичности через контакт с родом — художественная практика Инны Суминой построена на глубокой рефлексии и поиске смыслов. Ее творчество отличается уникальной двойственностью — сочетанием созерцательной медитативности и напряженности исследования.

Работы Инны Суминой одновременно наполнены интенсивной внутренней жизнью и тонким лиризмом, они говорят с нами шепотом об очень важных вещах. Размытость и расфокусированность объектов на холстах Инны — это не декорация, а прием, ставящий под сомнение способность как фотографии, так и живописи объективно зафиксировать реальность. Медиумы художницы зависят от типа репрезентации, она использует фотопечать, шелкографию, цианотипию для отстраненных и обобщенных образов, и живопись для изображения живого и уникального. Ключевые серии художницы — «Сокрытое» и «Исчезающий сад».

Персональная выставка Андрея Орлова «Не по сезону», галерея Купол

Выставка Андрея Орлова «Не по сезону» — намеренный противоход осени. Когда за окном холодеет свет, желтеют листья и день становится короче, пространство выставки превращается в сохраненное лето: горячее, яркое, наполненное морем, солнцем, движением и свободой.

Живопись Орлова работает как окна в июль — работы не подчиняются календарю и возвращают зрителю ощущение долгого дня, отпуска и раскаленного воздуха. В творчестве художника особенно важны насыщенные цветовые отношения, смелые контрасты и живописная энергия; он работает в жанрах пейзажа, натюрморта и абстракции, соединяя южный мотив с почти абстрактной свободой цвета.

Лето здесь — не воспоминание о прошедшем сезоне, а состояние. В работах оно звучит стремительной линией: ветром, тенью, бликом воды, мгновенным жестом. Густым солнечным цветом, вибрацией красного, синего, желтого и зеленого, плотным мазком, в котором чувствуется жара и движение воздуха. Море, крымские холмы, набережные, цветы, абстрактные композиции складываются в единый мир, где солнце не садится, а цвет не боится избытка света.

Название «Не по сезону» возникает именно из этого противоречия: осень уже наступила, но искусство отказывается с ней соглашаться. Оно предлагает зрителю не грустить об уходящем тепле, а удержать его — в цвете, памяти и взгляде. Выставка становится паузой между сезонами, местом, где лето продолжает существовать вопреки погоде, времени и календарю. Это история о том, что тепло можно сохранить, если смотреть на мир ярко, смело и в цвете.

Персональная выставка Арона Зинштейна «Цветной город», галерея КультПроект

Кураторы Юлия Манусевич и Ирина Солнцева

Арон Иосифович Зинштейн — признанный мастер, чье творчество неразрывно связано с Санкт-Петербургом, атмосфера которого во многом формирует образы в его полотнах. Его работы — это эмоциональные и наполненные цветом впечатления от увиденного, отсюда и название текущего проекта –– «Цветной город».

Манеру художника всегда отличают цветовые плоскости, лишь изредка подчеркнутые черной линией, неожиданные ракурсы, вертикали, которые при желании автора обретают свободный наклон, напряженные линии арок и мостов, перспективы улиц и панорамы вдоль воды. Зинштейн работает в ярко выраженной экспрессивной манере. В его работах всегда ощущается движение, жизнелюбие и оптимизм. Сам автор определяет свой стиль как романтический экспрессионизм.

Художник почти не пишет с натуры. Он делает многочисленные зарисовки, собирает их в альбомы, и только потом, в мастерской воссоздает их в цвете на холсте или бумаге. На выставке «Цветной город» будут представлены пейзажи Санкт-Петербурга, излюбленная тема художника. По названиям работ можно представить топонимы города, которые обращаются к социокультурной памяти зрителя: «Крыши Васильевского», «Обводной канал», «Загородный проспект», «Вечерняя прогулка к заливу» и другие.

Персональная выставка Татьяны Радивилко «Личная территория. Present Perfect Continuous», галерея Радость / Joy Gallery

Одиночество принято понимать как отсутствие другого человека, утрату близости, как болезненную пустоту, как разрыв привычных связей. Но существует и другое одиночество — спокойное, добровольное и очень целостное. Быть самостоятельным и цельным — значит сохранять внутреннюю автономию и оставаться собой среди других людей. Но не менее важно уметь находиться рядом, бережно относясь к чужим границам и одиночеству другого. Только так человек сохраняет собственную отдельность, оставаясь при этом открытым миру.

Это тонкое и парадоксальное состояние становится одной из центральных тем живописных работ Татьяны Радивилко.

Художница помещает своих героев в контекст, который по своей природе предполагает присутствие других людей: часто это большие открытые территории или спортивные площадки – арены, стадионы, бассейны. Но маленькие человеческие фигуры оказываются одни на бескрайних просторах полей, на безлюдных, почти апокалиптических пляжах, под глубоким бездонным небом. Композиционно человек изображается внутри значительно превышающего его пространства. Такой контраст между изображением и окружающим его фоновым миром подчеркивает как уязвимость, так и некую внутреннюю устойчивость человека в нем. Открытый пейзаж лишает его привычных границ и защиты, но вместе с тем дарит ощущение свободы.

Личная территория в работах Татьяны Радивилко не обозначена физически. Это несколько метров воды вокруг плывущего человека; пристальный, обращенный на зрителя, глубокий взгляд мужчины среди играющих в воде детей, грубые мужские ботинки, ярким пятном выделяющиеся на фоне спящего в дороге: «это мое, не тревожь». Пространство становится убежищем не потому, что отделяет нас от мира, а потому, что позволяет сохранить дистанцию внутри него.

В этом одиночестве нет трагического жеста. Напротив, оно наполнено тишиной, светом, ощущением свободы, а порой это предтеча какого-то значительного мощного рывка вперед. Даже когда рядом возникают другие, они не нарушают эту хрупкую автономию.

Художница работает с сиюминутным состоянием, мгновением, которое практически лишено сюжета, но одновременно это состояние может быть трактовано как длительное настоящее совершенное действие во времени Present Perfect Continuous. Человек плывет. Стоит. Смотрит. Скрещивает руки. Думает. То, что в обычной жизни проходит незамеченным, здесь становится предметом внимания художника и зрителя.

Маленький человек в огромном мире. Но значимый человек. Чтобы почувствовать собственное присутствие, не обязательно занимать весь холст. Иногда достаточно занять лишь малую часть, которая принадлежит только тебе. Личная территория — это не место, куда человек уходит от мира. Это пространство, в котором он может оставаться собой.

Персональная выставка Александра Жерноклюева «Своими словами», ИнГаллери

Работа с наследием, анализ живописной, пластической и композиционной выразительности старых мастеров всегда занимали Александра Жерноклюева. В этом проекте он использует образы, созданные большими художниками прошлого, для своих живописных экспериментов. Объектами переосмысления становятся голландские натюрморты, рембрантовские портреты, творчество Пикассо, Бэкона и, конечно, Веласкеса, по словам Александра Жерноклюева, наиболее любимого и близкого ему: «Это чувственная история, которую не просто сформулировать и описать. Я хотел попробовать, как классические веласкесовские образы, его живопись сможет ужиться с современными техниками, современными материалами и инструментами».

Персональная выставка Людмилы Константиновой «Приходи. Никого не будет», галерея Синтакс

Галерея Синтакс представляет проект Людмилы Константиновой с новыми объектами, живописью и графикой.

Людмила Константинова родилась в 1980 году в Москве. Окончила Московский архитектурный институт (МАРХИ), а также Институт проблем современного искусства (ИПСИ). Долгое время иллюстрировала различные издания и участвовала в выставках. С 2010 года входит в группу художников «ВГЛАЗ». Работы Людмилы Константиновой находятся в коллекциях Государственной Третьяковской галереи в Москве, Saatchi Gallery в Лондоне и в частных коллекциях.

Людмила Константинова исследует современность сквозь призму личной и коллективной памяти, истории искусства и зыбких границ реальности. В своих работах художница избегает прямого стилистического цитирования, но свободно экспериментирует с формальными языками супрематизма, минимализма, концептуализма и поп-арта, обращаясь к логике взаимоотношений искусственного и реального. Работам Константиновой свойственна особая ирония, обращенная к идеализму и банальности советского прошлого, к современному обществу потребления, изменчивости представлений о красоте и роли культуры в обществе. Важную роль в ее практике играют стратегии мимикрии и приемы trompe-l’œil: превращая повседневные предметы в абстрактные формы и создавая живописные обманки, художница играет с привычными механизмами зрительского восприятия.

Выставка Дарьи Коноваловой-Инфанте «Тайная жизнь букв», галерея АРТМАГ

На выставке впервые будут одновременно показаны около пятисот работ известной серии художницы «Тайная жизнь вещей». Первые акварели из этой серии появились в 2012 году, но настоящий бум популярности они пережили в легендарной интернет-группе «Шар и Крест», созданной коллекционером Максимом Боксером в разгар пандемии весной 2020 года. Остроумная визуальная игра, где тень предмета превращается в другой предмет, образ — в свою противоположность, доктор Джекилл — в мистера Хайда, стала визитной карточкой художницы.

Ядро выставки «Тайная жизнь букв» — серия из тридцати оригинальных рисунков. Это авторская азбука, развивающая тему ассоциаций, которые, словно тени, стоят за буквами русского алфавита.

На пять недель пространство лектория в «Кубе» превратится в тотальную инсталляцию из около пятисот графических листов и принтов Дарьи Коноваловой-Инфанте на самых разных носителях: бумаге, керамике и стекле.

Персональная выставка Жульен Жака «Текучие цветы», галерея Culture (поп-ап проект)

Жульена Жака (род. 1985, Тулуза, Франция) — французский художник, чья практика сформировалась на пересечении живописи, графики и татуировки. Живет и работает в Сорт-Осгор, Франция. Окончил Тулузскую школу изящных искусств. В работах сочетаются экспрессивная манера, внимание к физическим свойствам материалов и свобода от заранее заданной композиции.

В серии «Текучие цветы» Жака обращается к традиционному в живописи мотиву цветов. Яркие, крупные цветочные формы возникают на темном фоне и постепенно теряют четкие очертания. Художника интересует визуальный образ цветка, в котором раскрывается ощущение жизни, роста и движения. Важным ориентиром для серии стало творчество Сая Твомбли, чья свободная, эмоциональная манера помогла художнику по-новому взглянуть на возможности живописи.

Особое значение имеет техника создания работ. Жака использует крупные кисти, закрепленные на длинных палках, чтобы увеличить расстояние между рукой и холстом и сделать движения менее точными и предсказуемыми. Он наносит яркий акрил на темную поверхность, а затем добавляет воду, благодаря чему краска стекает вниз, образуя потеки и брызги. Художник не использует предварительные эскизы и нередко перекрывает уже написанные фрагменты, начиная работу заново. Поэтому каждая картина становится результатом взаимодействия замысла, физического движения и случайности.

Потеки в серии работают также как важная часть ее содержания. Они напоминают одновременно дождь, слезы и движение самой жизни. Цветы у Жака соединяют противоположные состояния: красоту и утрату, надежду и печаль, расцвет и исчезновение. Темный фон не просто подчеркивает яркость цветов, но создает ощущение, что жизнь и красота возникают вопреки окружающей темноте. При этом художник не предлагает однозначной трактовки, его работы сохраняют пространство для интерпретаций зрителя.

За этой двойственностью стоит и личный опыт художника. Рождение дочери в 2023 году усилило его желание говорить о красоте мира даже в периоды тревоги и неопределенности. Цветы стали для него образом любви, хрупкости и непрерывности жизни, а их яркость — способом не отрицать существование трудностей, но находить в мире то, что заслуживает внимания и бережного отношения. В серии «Текучие цветы» Жака превращает узнаваемый природный мотив в исследование самой живописи: ее способности передавать эмоции через материал, движение и следы времени.

Персональная выставка Татьяны Вафиной «Что отражает озеро», галерея ТРИПТИХ

Название выставки — «Что отражает озеро» — задает метафору поверхности, которая одновременно притягивает и искажает. Озеро как зеркало: в нем можно увидеть собственное лицо, но водная гладь дрожит, и отражение никогда не бывает полностью точным. Так и нарциссизм в работах художницы предстает не диагнозом и не приговором, а пространством встречи с собой — неидеальным, противоречивым, зависимым от чужих взглядов.

В работах соединяется тщеславие и уязвимость, страх оказаться недостаточным и потребность контролировать впечатление. В ее серии эти проявления не делятся на «плохие» и «хорошие» — они рассматриваются как материал для выбора. Что мы делаем с желанием быть особенными? Подавляем, стыдясь своей уязвимости, или возвышаем, превращая сомнение в демонстративную силу? Прячем потребность в признании или позволяем ей стать опорой?

Персональная выставка Марины Алексеевой «Без ответа», галерея ПЛАНЗ

Куратор Ирина Венская

Наше субъективное представление о связи между вещами, объектами, словами, понятиями и явлениями всегда остается лишь представлением об этих связях — и, в известной степени, иллюзией их понимания. В отсутствие данных, способных подтвердить или опровергнуть эти связи, мы начинаем создавать заместительные истории: достраивать недостающее, находить закономерности, связывать разрозненные элементы в единую систему. Таким образом наш мозг стремится избежать неопределенности и создать для себя объяснение происходящего, постепенно превращая его в нашу персональную истину.

Выставка «Без ответа» приглашает нас к наблюдению за этим процессом: как из разрозненных фрагментов возникает целое, как случайные совпадения становятся закономерностями, а субъективные интерпретации — ощущением понимания.

Персональная выставка Севы Бойцова «Северное сияние на Неве и Петропавловская крепость», Shabanov gallery

В 2022 году на улицах Санкт-Петербурга Сева Бойцов создал два крупноформатных полотна — «Детский Эрмитаж» и «Северное сияние на Неве». Художник работал с натуры без предварительных эскизов, стремясь сохранить непосредственность впечатления от увиденного. Выбор монументальной архитектуры был связан с его интересом к большому формату и возможностью свободно работать с цветом и формой.

В «Детском Эрмитаже» художник передает не столько архитектурный облик Зимнего дворца, сколько впечатление от окружающего пространства. Монументальное сооружение сохраняет узнаваемые очертания, однако его привычный масштаб уступает силе непосредственного переживания.

В «Северном сиянии на Неве» Сева Бойцов соединяет петербургский пейзаж с воспоминанием о природном явлении, увиденном несколькими годами ранее. Северного сияния не было над городом в момент создания полотна, однако сохранившийся в памяти образ становится частью изображенного пространства. В одном пейзаже сосуществуют непосредственное наблюдение и впечатление из прошлого.

Живописный язык Севы Бойцова можно рассматривать в контексте постграффити — направления, связанного с переходом уличного искусства в галерейное пространство. Использование аэрозольной краски, динамичных линий и насыщенного цвета сближает его полотна с эстетикой уличного искусства. Не менее существенны и обстоятельства их создания: работая на улицах Петербурга, художник общался с людьми разного возраста и социального положения. Городская среда становилась не только пространством наблюдения, но и местом художественного действия.

В небольшом деревянном объекте «Вороний цветок» Сева Бойцов сохраняет узнаваемые черты цветка, отказываясь от натуралистической точности. Художник вырезает его из березы, обрабатывает бензином и машинным маслом, после чего обжигает на открытом огне. В этом процессе возникает противоречие между хрупкостью цветка и грубостью применяемых материалов и методов. Вещества, ассоциирующиеся с загрязнением и разрушением, становятся средствами создания художественного объекта. Сам Сева Бойцов характеризует цветок как одновременно милый и опасный — сочетание, которое проявляется не только в его облике, но и в самом способе создания.

В произведениях Севы Бойцова знакомые вещи и пространства предстают за пределами привычных представлений о них. Монументальная архитектура кажется игрушечной, воспоминание становится частью реального пейзажа, а хрупкий цветок обретает черты чего-то опасного. Личное впечатление становится отправной точкой художественного преобразования действительности, позволяя увидеть знакомое с неожиданной стороны. Между тем, что мы знаем о предметах, и тем, какими мы их воспринимаем, возникает расхождение, в котором художник находит возможность для собственного художественного высказывания.

Персональный проект Михаила Рубанкова «Выставка искусства об искусстве», галерея Шмуклер

Куратор Оля Шмуклер

Представьте себе: вы впервые оказываетесь на выставке современного искусства. Что ждет вас по ту сторону? Как разобраться, принять и простить?

Персональная выставка художника Михаила Рубанкова — ироничное размышление о позиции зрителя современного искусства. На входе нас встречает работа «Здесь и сейчас»: это попытка обычного человека присвоить себе роль зрителя и выполнить «вход» в новый тайный мир.

Центральная часть экспозиции — репрезентация «Альбома методологии исследований современного искусства». Мы оказываемся словно в музейном пространстве, где вместо ожидаемых картин и скульптур обнаруживаем паттерны объяснений искусства. Как вести себя в этом пространстве? Согласно кивать головами с умным видом? Убедиться раз и навсегда, что понять искусство невозможно?

В конце квеста мы оказываемся в «аналитическом отделе», где предпринимаем последнюю попытку структурировать и рационализировать наше восприятие современного искусства и зафиксировать ожидаемое поведение. И снова художник предоставляет возможность зрителю давать собственную интерпретацию.

За свойственной творчеству Михаила Рубанкова иронией кроется глубокий вопрос, на который нам предстоит ответить: как сделать современное искусство частью своей жизни? И что нам это даст?

Коллективная выставка «Космос», галерея ЛУЧ

Галерея ЛУЧ открывает групповую выставку «Космос» — резиденты галереи и приглашенные авторы представят свои работы разных лет.

На территории искусства очевидно, что космос встречается с хаосмосом. Масштабность темы исключает ограничения в самовыражении художников. Техническое разнообразие в экспозиции усиливает это многоголосие и множество фокусов зрения: традиционную для галереи живописную линию дополняют графика, объекты, мозаика, скульптура и видео-арт.

Художники: Сергей Вэ, Андрей Помулев, Вероника Козаченок, Кирилл Кипятков, Андрей Крисанов, Сергей Бугаев-Африка, Алина Федотова, Александр Соколов, Аннушка Броше, Настя Миро, Василий Шомов и др.